Entorno Histórico

El sonido como arte (no música), es parte de la cultura desde hace varios siglos. Cajas que suenan, alarmas, timbres, pitos y otros tipos de objetos han sido explorados con cierta sensibilidad ⁵. Crucial en esta exploración, igualmente se piensa en la metáfora del carrusel o del muñeco que habla⁶. Al generar una especie de movimiento, el sonido se relaciona con vida y animación. Más aun, aparte de la semántica y palabras de un lenguaje, algunos sonidos son signos de comunicación que alertan a las personas. Por esto la escucha genera curiosidad más la posibilidad del descubrimiento y lo sensible.

Varias obras han tomado estos elementos haciéndolos trascender en la historia del arte. Sin embargo, marcando un punto de partida, quizá la colección de sonidos de Luigi Russolo (circa 1913), denominada ``El Arte de los Ruidos'' es cuando en forma racional se comienza a pensar en este medio⁷. Otro ejemplo en el umbral arte-sonido es el ready-made: La Rueda de Bicicleta (1951), de Marcel Duchamp, en el cuál su exposición proyecta sonido y movimiento o movimiento y sonido. Otros como Henry Cowell (1865), compositor nacido en California, tomó los elementos expuestos por Russolo además de varios suyos propios, y los transcribió a su música. Cowell fue un pionero y experimentador en el campo de la música con conceptos como politonalidad, los poliritmos y sobre todo con la idea del cluster que se define como muchas notas al tiempo, de un solo golpe, con un instrumento armónico (piano por ejemplo)⁸. Su obra Rhythmicana en retrospectiva puede apreciarse como un primer paso en la composición de trabajos basados en patrones rítmicos. Este método es muy común en la realización de música de varios géneros en la actualidad pero, particularmente en músicas minimalistas, de fase, música por computador y pop.

También hay que resaltar la importancia de la posibilidad tecnológica a comienzos del siglo veinte. Varios artistas pertenecientes a los dadas, surrealistas o fluxus, además de compositores como John Cage y Edgar Varese, cruzaron los limites entre el arte y la música, aprovechando tecnologías para generar, almacenar y manipular un sonido o el fenómeno acústico. Artistas y músicos utilizaron el sonido, el ruido y el silencio tanto en, happenings, performance, conciertos con interpretación en vivo, pero también en obras congeladas y almacenadas en dispositivos magnéticos. El micrófono, la grabadora, el amplificador y el altavoz se convierten en herramientas indispensables para la realización de expresiones sonoras. En consecuencia, y como en los otros géneros del arte en estos días, el arte sonoro se desarrolla como una forma interdisciplinaria que envuelve la exploración sonora, desde lo acústico, contexto ambiental, expresión corporal y, lo tecnológico entre otras.

En la actualidad obras que extienden las fronteras de esta arte como Falling Echoes (2002), del norteamericano Bill Fontana, producen un espacio o contexto natural audio-visual generado por oscilaciones de objetos, mecanismos o vibraciones como en las cuerdas del puente colgante de Brooklyn ⁹. El sonido de las cuerdas del puente es procesado y manipulado para que la obra adquiera su connotación de arte, aunque este tratamiento sea transparente al momento de apreciar la obra. Un ejemplo que raya entre lo musical y el arte es Oxygen Flute (2001), de Greg Neumeyer (artista, Suiza) y Chris Chafe (compositor, Estados Unidos). Esta última es una instalación en la que, a mayor concentración de gas carbónico $(CO_2),$ en su entorno interno, la textura musical se atenúa, volviendo más débiles la actividad musical y la intensidad sonora¹⁰.